Circus Maximus - Nine

Circus Maximus - Nine, 2012
Один из самых ярких релизов этого года. Найдена практически идеальная формула баланса тяжести, "хуковой" мелодики и техничности. Со времен дебютного альбома группа явно нажила музыкальной мудрости, поскольку предельная жесткость и техническая шквальность первого альбома, в котором музыканты явно всеми силами пытались показать, что они умеют делать, и что они совсем не хуже ведущих образцов жанра (вот тут мы можем как Dream Theater, а вот тут мы можем и пауэр поиграть) исчезла. Появились свежие композиционные решения, чувство меры и вкуса, уверенность и спокойствие в подаче, внятные и яркие гитарные соло, которых было маловато в дебютнике, затем они начали раскрываться во втором альбоме и уверенно проявились в "Nine". Появились песни, а не просто экзаменационные прог-композиции. Песни стали законченными, осмысленными, вокальные партии надолго остаются в голове, их мелодии хочется напеть, мало какая прог-металл группа может похвастаться этим. Группа все дальше и дальше шагает от стандартов Dream Theater и самолюбования, а все больше напоминает более раскованных, технически закрученных Queensryche с налетом пауэра и тонкой европейской самобытности ( трек "Wither" с предыдущего альбома "Isolate" музыкально явно пересекается с "I Don't Believe In Love" Райхов). Что меня лично не может не радовать. Рекомендую к прослушиванию.

Sieges Even - A Sense Of Change

Sieges Even - A Sense Of Change, 1991

Пластинка, на которой ранний непричесанный технотрэш превратился в чрезвычайно хрупкий арт-рок. Оставляя за собой нереально закрученные структуры и неуловимую мелодику, «Sieges Even» представили материал совершенно нового качества: «A Sense Of Change» -  альбом прозрачный, тонкий и очень чувственный. Во многом это ощущается благодаря более светлым гармониям, воздушному саунду, немецкой аккуратности в выборе выразительных средств, смеси джазовых, классических и арт-роковых гармоний (в первую очередь гармоний и приёмов группы «Rush», которые уже царствовали безраздельно на «Steps»)  и вокалу Йоги Кайзера.  Вообще, эти немцы всегда были технарями. Несмотря на то, что их  музыка была идейна, музыканты всегда были полнейшими технарями, потому что они могли это «технарство» делать одной рукой и с закрытыми глазами, делать как никто другой (никакие Dream Theater тем более). В данном случае,  взяв это «технарство» и извилистые математические структуры,  сведя к минимуму громоздкость и механистичность, группа поставила эти компоненты в условия красивой музыки.  И вышло чудесно-расчудесно. Один из эталонных примеров музыки тонкой и музыки подчас сверх сложной. И с точки зрения исполнительской техники, и с точки зрения восприятия целостности картины, поскольку слушая «A Sense Of Change» у вас многое будет распадаться на фрагменты, которые приходится собирать воедино.

Кино - Черный альбом

Кино - Черный альбом, 1990

Один из самых потрясающих альбомов в музыкальной истории.

Тонкий и гармоничный, атмосферный, предельно лаконичный и запредельно эмоциональный, насыщенный не экстравертными рыданиями, а рвущейся наружу осознанной, прожитой внтурненней тоской человека, который смотрит на мир, и от увиденного ему хочется закрыть глаза и не открывать их.

Альбом демонстрирует зарождающийся новый стиль группы, котрому не суждено было развиться дальше. Смесь новой волны, безупречно хитовых гармоний, аскетичных, но гениальных в своей простой распевной мелодике гитарных партий, тончайших зрелых аранжировок, поэтики, наполненной и фольклорными мотивами, мотивами любви и печали. Эпитафией мудрого и во многом усталого Виктора Цоя.

Этот альбом может показаться неожиданным в составе той музыки, которая здесь представлена. Но здесь нет ничего неожиданного. Несмотря на популярность альбома и всеобщее признание его хитовости, возможно, мало кто действительно понимает каким чудом он является в рамках не только отечественной музыки.

Rush - Power Windows

Rush - Power Windows, 1985

Одна из знаковых работ феноменальной «инопланетной» группы «Rush», канадских гигантов, которые являются носителем поистине ядерного мaузыкального заряда. Один из эталонов выразительной мелодики, тонкости композиции, непостижимой техничности музыкантов, чистейшего саунда и высочайшего уровня звукозаписи. Альбом, который отодвигает на задний план все разработки группы в жанре хард’н арта и полностью погружает нас в новое полусинтетическое звучание группы. Особенность музыки Rush– это их «многослойный» способ мышления. Их подход, их манера подачи материала – это всегда двойное дно, но это не надуманные смыслы, не техника ради техники, никакого интеллектуально-музыкального суррогата, все абсолютно естественное. Гедди, Алекс и Нил, каждый из них - олицетворение того инструмента, которые они представляют. Они настолько знают все тонкости, что «Power Windows» может казаться вам и синти-попом, и AOR’ом, и диско, и new-wave, и классическим артом, и прог-роком с нечетными размерами и смещенными долями ... Это и то, и это, и все сразу. Очень натурально, очень открыто и сверх блестяще сыграно. И нет нужды выискивать какие-то стилизации. Это всегда актуально. Всегда современно. Всегда на шаг впереди. Всегда верность себе, и полное, при этом отсутствие вынюхивания конъюнктуры.
Музыка каждую секунду фонтанирует неудержимой «молодой» энергетикой, которую эта троица не растеряла до сей поры. Характерный «говорящий» бас Гедди и его звонкий вокал с детскими нотками в тембре, парящие, словно спонтанные гитарные кульбиты Алекса и профессор Нил, который гениален до неприличия.

Pavlov's Dog - Pampered Menial

Pavlov's Dog - Pampered Menial, 1975

Высочайшего уровня и красоты альбом американской (!!) группы "Pavlov's Dog", незаслуженно обделенной славой. Жемчужина жанра, один из эталонных примеров: безупречные мелодии, который с кровью расхватали бы любые поп-композиторы, обилие фоновых подкладок неизменного меллотрона, хрупкая флейта, и уникальнейший вокал Дэвида Сёркэмпа. Здесь нет смысла говорить о каких-то экспериментах с крупной формой, авангардными стилями и прочее.  Нет, это классический арт-рок, в основу которого положена тонкая и красивейшая музыка, наполненная европейским симфонизмом и собственной творческой самобытностью группы, которая показывает, что американская группа не уступает своим британским коллегам... Слушать обязательно, и что самое главное: прочувствуйте манеру вокала Сёркэмпа, не делайте поспешных выводов при первом прослушивании. Прослушивание должно быть не единственное.

Westfauster - In A King's Dream

Westfauster - In A King's Dream, 1971

Одна из тех групп, в которых заключено то самое обаяние музыки 70-х. Приятный меланхоличный арт-рок, с неизменными для того времени вкраплениями джаза. Альбом несет в себе все хрестоматийные черты зарождения британского арт-рока в конце 60 - начале 70-х годов. Пассажи на флейте, нежнейший moog, аккуратные ударные, урчащий бас, лиричный вокал в стилистке молодого Грэга Лейка, прекраснейшие мелодии, грамотные эксперименты в области джазовой ритмики и гармонии. 
"Where are you",  "Everyday", заглавная "In A King's Dream"- жемчужины жанра.

Premiata Forneria Marconi - Stati Di Immaginazione

Premiata Forneria Marconi - Stati Di Immaginazione, 2006

Итальянский инструментальный ретроспективный арт-рок, выпущенный в 2006 году, но к счастью застывший в бездонных 70-х. Трепетный и тонкий симфонизм, наполненный лирическими мелодиями, плюс вплетенные нити непричесанного джаза и проклассические сюиты на акустической гитаре. Красивая музыка, совершенная в своем простом подходе к предмету, - играть хорошую музыку без комплексов, основываясь на внутреннем убеждении играть как тебе нравится, с любовью, не задумываясь о течении времени. Однако, это не значит, что группа стоит спиной к времени, пребывая в музыкальном отшельничестве. Это не маразм. Это музыка, с которой ничего не надо спрашивать, но которая попросит у тебя быть внимательным благодарным слушателем. 
Любителям инструментального симфонического арт-рока от группы "Premiata Forneria Marconi", чей 40 летний музыкальный опыт чувствуется в каждой ноте, но не мешает ей звучать очень свежо.

Alan Morse - Four O'Clock And Hysteria

 Four O'Clock And Hysteria, 2007

Сольный альбом гитариста группы "Spock's Beard". Если вам нужен инструментал на любой вкус: от поп-рока, до фанка или вы просто поклонник творчества Споксов, то " Four O'Clock And Hysteria" прекрасный выбор. Музыкальный эклектичный винегрет виртуозных композиций, теплых мелодий, заключенных в богатый саунд. 
Просто очень хорошая музыка.

Gru - Cosmogenesis

Gru - Cosmogenesis, 2010

Если я думаю о soundtrack, который может быть вписан в какой-то визуальный ряд фильма на тему космоса, но при этом не отрешенно-эфемерного, а более брутального и динамичного, или может быть даже hi-tech,  добавив к этому эстетику небанального киберпанка, то я вспоминаю релиз «Cosmogenesis» польского музыканта Piotrek Gruszka, хотя сам этот инструментальный альбом как soundtrack и не задумывался, а является самодостаточной музыкой. Однако эффектный визуальный подтекст музыки наталкивает на такой подход.

Мы имеем входящий в моду талантливый микс из прогрессивного метала, мат-рока , space мотивов, на редкость уместное и грамотное применение гитарного djent’a , чередование классических в этом стиле fusionподобных переливов, эпохальных «гилморовских» соло, местами осовремененных приемами  Джо Сатриани и Марко Сфогли,  и нынешней гитарной школой польского прог-металла (характерная польская стилистика и глубочайшая музыкальная культура сейчас, на мой взгляд, выходит на новые рубежи популярности).

Важный момент: если многие современные двигатели  инструментального djent’a больше стремятся к гитарному груву, к рифовой музыке и к ритмической математике (частичное исключение, пожалуй, в лице «Sithu Aye» и «Chimp Spanner»), то  Cosmogenesis» - это, в первую очередь, мелодическая музыка, а запрограммированные хитрые неровные ритмические рисунки и отрывистые рифы являются лишь опорой. Мелодия и гармония не делают вас роботом, а больше показывают вашу эмоцию и ваш вкус, а этих  компонентов  у Gruszka предостаточно.

Впечатляющая, талантливая работа, очень легко и виртуозно сыгранная, где все компоненты  сбалансированы в идеальных пропорциях.

Mind's Eye - A Gentleman's Hurricane

Mind's Eye - A Gentleman's Hurricane, 2007

«A Gentleman's Hurricane»  - это продолжение традиций прошлого концептуального альбома «Walking on H2O» и еще большее продолжение традиций и музыкальных разработок группы «Queensryche».

Теперь еще больше музыкальной закрученности, идейности, всяческих звуковых эффектов и сэмплов, погружающих в историю, которую повествует альбом.  Практически полное отсутствие баллад, а наличие большого количества тяжелых боевиков. Сложно выделить какие-то отдельные треки или разбивать их на хиты, песни перетекают одна в другую и тематически, и музыкально.

Альбом ощутимо напоминает классический концепт-альбом «Operation:Midcrime» группы «Queensryche», но в котором уже нет следов классического хеви, а полностью господствует европейский прогрессив, более мрачный по мелодике и яростный в подаче. Точно также как и в «…Midcrime», здесь присутствует женский персонаж Norma Jean, своеобразная  райховская Sister Mary. Концовка трека «Chaos Unleashed» в деформированном виде цитирует начало Райховской «Suite Sister Mary». Но все это не означает слепое копирование, вторичность идей или наличие плагиата. Ничего подобного. Группа развивается по своему пути, выбрав лишь одно из существующих направлений.
Автор истории и лирики, клавишник и барабанщик Дэниел Флорес и гитарист Иоханн Ньюман проделали прекрасную работу. Отдельно хочется отметить вокалиста Андреаса Новака, который пел несколько зажато и однообразно в «Walking on H2O» , но сейчас в «A Gentleman's Hurricane» полностью раскрыл себя, свой голос и актерские способности.

Рекомендую,  очень зрелая и яркая работа. 

King Crimson - Three of A Perfect Pair

King Crimson - Three of A Perfect Pair, 1984

Середина творческого пути Кримзо. На альбоме чувствуется влияние нового певца, гитариста и поэта Эдриана Белью, но музыкальный стержень по прежнему за Фриппом, иначе это было бы не Кризмо. Первая сторона песенная, это очень изящные мелодии, чувственные и неуловимые. Очень оригинальное исполнение: повествование ритмичное, калейдоскопичное, интересный подчеркнуто синтетический саунд. В песне "Sleepless" очень круто играет пульсирующий бас Тони Левина, интересная ритмика в исполнении Браффорда , а мелодические ходы первых двух песен - заглавной и "Model Man" имеют очень оригинальную и неповторимую красоту.

Сторона "два" - Пространство Фриппа, его фриппертроникса и синтезаторов для гитары Белью, который играет роль своеобразной фоновой поддержки хрупких структур Фриппа. По сути, это исследовательская работа, постижение возможных свойств музыкальных инструментов и поиск новых музыкальных средств. Много экспериментов со звуком, вкраплений различных авангардных стилей.. На этой же стороне мы имеем развитие известного Кримзоновского инструментала Larks' Tongues in Aspic Part. Очень интересная работа King Crimson образца 84 года.

King Crimson - Red

King Crimson - Red, 1974

Знаменитые творцы арт-рока, во главе с Робертом Фриппом. В составе группы здесь три человека. Отсутствие синтезаторов,  сухой, жестяной звук, звуковую палитру создают мелотрон, скрипки, саксофон и гитара Фриппа, наполненная жестью и песком. Предельная глубина, что скрывает с головой, тут можно и не вынырнуть. Первобытная индустриальная мощь, с чёткой, жёсткой работой ударных, длинные эпические композиции, уносящие в дебри аранжировок. Много характерной для стиля аритмичности, хрупких грувов, различного nois'a и много чего еще.  Музыка одновременно живая и неживая в своем неудержимом потоке музыкального сознания, заключенного при этом в песенные единицы. Она иногда создает впечатление какой-то нескладной и некрасивой, но при этом нереально притягательной, и после многоразового прослушивания обнаруживает глубокую красоту. Сейчас 21 век на дворе, и кому-то такая музыка может показаться старой и тяжеловесной для восприятия,  потому как уши современного слушателя привыкли к разжеванной мелодике, компьютерам и другой мертвечине, а здесь у нас реальная осязаемая музыка с таким количеством классных экспериментальных находок, живых скрипок и недетской энергии.…  И это 74-ый год. Альбом, который я считаю родоначальником альтернативы, технотреша и, в какой-то мере, индастриала. Золотые головы и руки. "Red", "One Mere Red Nightmare",от которых вскипает кровь и ужасно красивая "Starless"(песня, стоящая в ряду с ранними Кримзоновскими “Epitaph”, “In The Wake of Poseidon” и “Exiles”). Слушать поклонникам стиля обязательно.

Pallas - Beat The Drum

Pallas - Beat The Drum, 1998

Если «Marillion» отправились дорогой, понятной лишь им самим, а «Arena» бьет в одну и ту же известную для себя мишень, пусть и метко,  но этим,  на мой взгляд, законсервировав себя в развитии, то Pallas после фактически 14 летнего отсутствия выпустили релиз очень модернового типа.  При этом они ни капли не растеряли своей «неоготишности» и прочих стилизаций, ни пафосной театральной подачи, ни панорамности звука, ни музыкальной интеллигентности. Они просто взяли квинтэссенцию самих себя и осовременили. Потому в «Beat the Drum» волне логично и уместно проскакивают куски дебютного «The Sentinel» (вступление в «Call to Arms», вторая половина «Insomniac»), а «Man от Principle» могла свободно вклиниться в «The Wedge» (такой уж каламбур).  Но все эти цитаты и отсылки присыпаны многочисленными современными фишками, в первую очередь клавишными, что в итоге абсолютно не создает ощущения маразматического дежавю. Все сделано очень свежо, с бережным отношением  к мелодике и атмосфере, размеренно,  основательно, без лишних заковыристостей и выкрутасов. Еще один важный момент – по-хорошему модно и при этом нейтрально сделан дизайн буклета.

Оживление и динамику музыке в «Beat the Drum» придает новый барабанщик Колин Фрэйзер, который, играя в традициях классических неопроговых барабанщиков (Pointer, Mosley, Fudge Smith), имеет при этом более актуальное мышление и подачу. Еще больше раскрыл себя вокалист Алан Рид, чей голос и интимная трепетная манера местами похожи на Стива Хогарта, Питера Гэбриела, первого вокалиста «Arena» Джона Карсона, чуть на Стива Уолша. В «Beat the Drum» Риду достались более драматические вокальные партии, нежели в несколько легковесном альбоме-предшественнике. Ну и как всегда в музыке наличествуют две знаковые фишки группы: атмосферные мастерские клавишные партии и пульсирующий титанический бас.

Из минусов могу отметить небрежный мастеринг. Альбом звучит тихо и глуховато.

«Beat the Drum» ценен как самостоятельное произведение, так и в качестве подготовки к двум будущим гипер-альбомам группы.

Pallas - The Cross & The Crucible

Pallas - The Cross & The Crucible, 2001

Центральная работа группы и совершенно титанический альбом, который уводит «Pallas» от формального наименования нео-прог, и группа оказывается ближе уже к прог-металлу, поскольку данный релиз 2001 года на порядок тяжелее всех прядущих релизов группы.  Предшественник «Beat the Drum» являлся, по сути, пробой пера и ощупыванием пространства. Мне кажется, что группе нужно было почувствовать себя в новом времени, подышать воздухом, что-то впитать или наоборот выкинуть лишнее, переварить 14 лет своего отсутствия на музыкальной арене, а в итоге найти и построить какую-то новую для себя форму на старом фундаменте. Казалось бы, у группы такой колоссальный опыт, но возможно именно он ей и мешал. Мешал некий багаж нео-прога 80-х со всеми его стереотипами и клише, от которых до сей поры не могут отделаться многие группы этого жанра.  Но не в нашем случае. Ибо «The Cross & The Crucible» - это очень явный шаг вперед, шаг очень широкий, прочувствованный и без комплексов.

Альбом рассказывает нам историю, которая посвящена сосуществованию религии и науки. Эта концепция идеально вписывается в неоклассическую эстетику группы, с примесью darkwave и стилизованной готики. Собственно подобное мы слышали в дебютнике «The Sentinel»: широкомасштабная концепция оформлена такой же величественной эпичной музыкой. Дизайны этих альбомов перекликаются использованием оригинального логотипа Патрика Вудроффа.

Песни, разумеется, выполнены в едином ключе, с яркими мужественными мелодиями, не слишком простыми и не слишком пытающимися понравиться. Их отличительное свойство – они очень кинематографичны,  в голове неизбежно выстраивается какой-то визуальный ряд. Заглавная композиция «The Cross & The Crucible», треки «The Blinding Darkness» , «Towers Of Babble» или  «Midas Touch»  потрясают своей мощью.  Чувствуется, что проведена большая «работа над ошибками»: теперь нет заваленных по звуку партий соло гитары, что имелись на прошлых альбомах. Сейчас  Ниал Мэтьюссон  звучит отчетливо, уверенно и технично.  Аналогичные преобразования произошли и в общем саунде – звук выстроен очень сочно и при этом живо, не синтетично. Барабаны звучат как барабаны, а бас – как бас, клавиши по большей части находятся в роли органа или хоровых сэмплов, а не кислотных синтезаторных lead’ ов, так любимых прогрессивщиками всех мастей. Это кстати очень «полезная» черта Ронни Брауна: минимально играть всяческие неопроговые соло, которые мы уже тысячу раз слышали, а украшать общую мелодию и создавать атмосферу органными вставками или эфемерными фонами.

Отдельная изюминка альбома – вдохновленное вкрапление в  заглавном треке фрагментов «Реквиема» Вольфганга Амадея Моцарта.

Mind's Eye - Walking on H2O

Mind's Eye - Walking on H2O, 2006

Крепко скроенный концепт-альбом в стиле прог-металл, «дримтеатровщины» в котором замечено спасительно немного. По большей части , «Mind’s Eye» - это очень современный, эклектичный, в меру попсовый  «Queensryche» с более нейтральным для восприятия и несколько жеманным вокалом и отчетливой мелодикой. Обаяние этой музыки в том, что, несмотря на внятность материала и отмеченную выше предельную мелодичность, количество ритмических и гармонических экспериментов на единицу времени просто зашкаливает. Слух едва-едва  успевает привыкнуть к основной теме и зацепиться за что-то одно.  Казалось бы, все это традиционные черты стиля, но удача и особенность музыки «Mind’s Eye» в том, что в ней ничего не возникает «вдруг, откуда ни возьмись». Аранжировки, смены музыкальных частей и тем настолько грамотно сделаны, что за этим однозначно чувствуется классическое музыкальное образование исполнителей. Песня в альбоме одновременно может начинаться как  100% мелодический  хит,  готовый попасть в ротацию на любое радио, но тема в нем неожиданно сменяется сочным прог-металлом, полиритмией, кусками ориентала, партиями струнной секцией, акустическими проигрышами, сменой гармонии и настроения. И все это очень гладко, мягко, органично. Песни насыщены электроникой, модными гитарными рифами, ритмичными ударными, иногда напоминающие брейки Марка Зондера из «Fates Warning». Альбом словно пытается попасть в любую аудиторию, и при этом, что очень важно, в нем нет «американизма», при прослушивании заметно ощущается налет европейского стиля, академичность в подаче, аккуратность, музыкальная педантичность.

Нельзя сказать, что группа тотально самобытна. В манере, в аранжировочных структурах очень много от «Queensryche» , вступление в треке «A rabbit in the hat» применяется очень часто, и напоминает, скажем, вступление в  песне «Double vision» группы «Arena» с альбома «Visitor», кстати говоря, тоже концептуального. Инструментал «Flight of the Ann.unna.ki» собрал в себя почти все прог-роковые клише, придуманные Rush, затертые Dream Theater и еще много-много кем. В эффектной мелодике, насыщенных клавишных группа иногда напоминает своих же соотечественников «A.C.T.».

В общем, рекомендую к прослушиванию всем поклонникам стиля, любителям концептуальных альбомов  в стиле эклектичного «попсового», но далеко неглупого прог-металла.

Queensryche - Promised Land

Queensryche -  Promised Land, 1994

После очевидно хитовой связки релизов группы, которая после альбома «Empire» стала звездой MTV, «Promised Land» - это альбом, который отдышался, собрался с мыслями и ступил на совершенно другой путь. Предыдущие работы Райхов, при всей раскованности и эпичности, плавали в сладких водах несколько прилизанного и привлекательного коммерческого саунда. Это все вкусы и запахи 80-х. Даже Empire неизбежно шагнул в 90-й год в костюме 80-х годов.

Работа же 1994 года - работа совсем иного склада. Более жесткая, камерная и сухая по саунду, предельно закрытая и интимная по форме и содержанию. В ней уже почти нет той прозрачности и некой пластмассовости "Operation: Mindcrime" и" Empire". В ней нет и их экстраверсии и гимнообразности. Она аккуратно путешествует где-то на стыке альтернативы и утяжелённого арта, с примесью балладности, психоделики и еще много-много чего. Эклектика, гибкость в выборе выразительных средств и универсальность стиля - одни из главных свойств музыки Райхов.

Камерность альбому добавляет аскетичный сухой звук, часто малообъемный, плотный, местами напоминающий живую запись с концерта, плюс активное использование акустической гитары и фортепиано. Барабаны Рокенфельда как всегда предельно лаконичные, невероятно чёткие и мужественные, наполняющие музыку узнаваемой пульсацией и динамикой, исполненной в дуэте с Эдди Джэксоном. На рабочий барабан, как и в самых ранних альбомах, наложен небольшой ревер с короткой задержкой, что делает звук чуть жестяным. ДеГармо и Уилтон снова показывают нам безотказный сдвоенный механизм, умело идущий по музыкальным рельсам: ярчайшие соло в Bridge и One More Time, кипучие поддержки в My Global Mind и Disconnected, плачущие запилы в заглавной Promised Land, калейдоскопичной, инфернальной, пронзительной, завораживающей своим состоянием обреченности. Песня подкрадывается к тебе, а потом словно обрушивается лавиной. 

Голос Тэйта очень близкий и гулкий. Если слушать в студийных наушниках, кажется что его голос стоит перед тобой и вокруг тебя. Он в присущей ему вокально-нарративной манере снова рассказывает тебе куплеты, эмоционально, основательно, по актерски манерно, а затем выстреливает в припевах. Но здесь вы не услышите хеви-металлические поливания из альбомов «The Warning» и «Rage For Order», здесь уже только изредка проскальзывает атакующая, в своем роде стадионная манера вокала, что была в «Mindcrime». Возможно, это проявление изменений в голосе Тэйта, резко заметное для меня в 90 -м, но «Promise Land» - это, по сути, большее углубление и трансформация того стиля, в котором Джефф пел в «Empire». Я всегда восхищался убийственными «высокими» Джеффа, но интересны же мне по-настоящему были его глубочайшие «низы». Те, которые все заметнее проступали в «Empire» и почти полностью проявили себя в «Promised Land». Здесь его голос звучит титанически, монструально, здесь он меньше любуется собой. Даже появившаяся осиплость что-то добавила тембрально, сделала голос боле современным, и возможно более чувственным… Таким, каким он должен был быть на этом альбоме. 

«Promised Land» - очень глубокая и личная работа. Пожалуй, если не самая главная, то самая зрелая у Queensryche.

Arena - Visitor

Arena - Visitor, 1998

Думается что, «Visitor» -  лучшее, что сделал Нолан      и сотоварищи. «Visitor» - это концентрат из всех ареновских достоинств и недостатков. Если вы слушали «Visitor», то на мой взгляд можно ничего больше у «Arena» и не слушать, только если вы не являетесь глубоким фанатом этой группы. Перед нами, однозначно, очень взрослая концептуальная работа, не поверхностная и не легковесная, хотя то, что она концептуальная еще ни о чем не говорит, ибо концепция тоже может быть провальной. Музыка очень эмоциональная, и прежде всего, красивая и атмосферная, в традициях интеллигентного британского нео-прога, она пробуждает задумчивость там, где это нужно, а дискомфорт и тревогу там, где это необходимо, поскольку часто играет на контрасте - мрачные риффы и легкий акустический проигрыш, тревожные крадущиеся клавишные вступления и пинкфлойдо \мариллионо\кэмело подобные инструменталы, только более минорные, и чуть более прямолинейно-металлизированные. Но чувствуется, что каждый трек подчинён идее, потому все отделано очень скрупулёзно, музыка не идет сама по себе, если соло не нужно для конкретного развития истории или эмоционального знака - соло не играется. Огромный плюс: на альбоме все в меру. Вокалист Райтсон, умеющий источать пафос и страдания, крепко держит себя в руках, не обнажая отсутствие вокального диапазона, умело показывает наличие актерского таланта, эпики очень интеллигентны, гитарные соло Митчелла играют  музыку, а не спасают мир. Некая "пошловатость" замечена только в двух основных ингредиентах группы - Пойнтере и Нолане, но это уже неизбежно и об этом чуть позже.

Что касается концепции, то фактически «Visitor» - один из эталонных экземпляров. Что сделал Нолан? Он выцедил одну из центральных тем классического арт-рока,  а позже и нео-прогрессива,  - тему рефлексирующего человека. Никакой экзальтированной печали и грусти, никаких эльфов и волшебных стран. Рефлексия, жёсткие обстоятельства, в которых человек, разрываемый противоречиями, находится в пограничном состоянии между жизнью и смертью. Весь этот набор Нолан обернул в форму выразительной истории, в которой все складывается в пазл и образует прекрасный альбом, несмотря на недостатки самой группы и клише жанра.

Недостатки же альбома поселились в самих музыкантах и, как мне кажется, их самомнению. Клайв Нолан, бесспорно, технически подкованный клавишник, а как композитор он хорошо чувствует гармонию, "правильную" мелодию и как с ней не переборщить. Но все, что он делает в отношении реализации этих идей:  клавишных партий и подхода к игре  - это всегда одинаково. Он играет слишком механистично,  играет только "так и вот так" и по-другому не умеет. Он использует одни и те же приемы, одни и те же зачастую дешевые тембры, одни и те же аранжировочные ходы из альбома в альбом. На определенном этапе всё это кажется особой творческой манерой или исполнительским подчерком. Но этап проходит, а дальше закрадывается сомнение в наличии развития и прогресса в голове и руках. Поэтому, даже когда Нолан наличествует в любых сторонних сайд проектах, своих и чужих - его слышно сразу. Но вот всегда ли это хорошо? Что касается Мика Пойнтера, то кроме его организаторской заслуги и номинального  участия в написании песен других заслуг я не вижу. Он был уволен из «Marillion», потому что он был плохим барабанщиком. Ничего не изменилось. На альбоме это все тот же скомпрессированный звук, ограниченные технические приемы, а на концертах неритмичная, хрупкая и однообразная игра. Так что, если слушать «Visitor», но не слушать все остальное, то музыканты хороши. Но только в рамках, данного альбома. Ну, может быть, в определенных  кусочках двух-трёх последующих релизов.

Однако я рекомендую закрыть глаза на последний абзац, или не поверить мне на слово. А затем, забыв про всяческие термины «прогрессив» и «прогресс», просто послушать, что нам говорит музыка.  Я так и делаю.